Descripción de la vanidad de la vanidad de la imagen. Amor de vanidad. género doméstico. Arte holandés del siglo XVII

El libro representado en la imagen es una traducción de la tragedia de Sófocles Electra, al holandés, realizada por el famoso poeta Jost van den Vondel (1587-1679) en 1639; la tragedia estaba en escena en Amsterdam.

vanitas

Trabajar streka, como otras obras vanitas”contiene muchas referencias ocultas, así como un concepto alegórico bastante similar a otras pinturas, asociado a la fragilidad de la riqueza, la desesperanza y la caducidad de la vida, que fueron populares tanto en la literatura como en la pintura del siglo XVII. Por ejemplo, la fama, las posiciones y el éxito están incrustados en un casco rico. El dibujo debajo del cráneo (borde inferior izquierdo) se refiere a la pintura. La fugacidad de la vida y la muerte está ilustrada por la calavera (presente en la mayoría de las pinturas de este estilo). Las plumas, que ocupan la mayor parte de la composición, también son un atributo popular de la “vanidad”.

Bodegón con una calavera. Maestro desconocido.

Muchos pintores holandeses invirtieron en el pensamiento heredado de la antigüedad sobre la inmortalidad del arte; una referencia a la antigüedad ya toda la gama de ideas relacionadas con ella se puede ver en este caso en el hecho de que Streck representa precisamente la traducción de la Electra de Sófocles (parte derecha). En general, sin embargo, prevalece un estado de ánimo diferente en la obra de Streck. Las páginas deshilachadas del libro y los bordes ondulados de la imagen insinúan el comienzo del daño.

Interpretación

La clave principal para interpretar la imagen es la calavera con una oreja envuelta, un símbolo de la vida eterna del alma en Cristo (según las palabras de Cristo: "Yo soy el pan de vida"). Como símbolo de esperanza, el motivo de una oreja envuelta alrededor de una calavera (o brotando de una calavera) apareció en las naturalezas muertas de muchos pintores holandeses, así como en libros de emblemas (por ejemplo, el emblema "La muerte es el principio de la vida" del libro de Jakob Camerarius, publicado en 1611). Streck escribió varias naturalezas muertas más, donde aparecen otros atributos de "vanidad de vanidades". La pintura, similar en tema y conjunto de objetos (la antigüedad está simbolizada por el busto de Séneca), se encuentra en la Galería de Arte de la Ciudad de York. Otra naturaleza muerta, también con un busto antiguo, un casco emplumado y una edición de la tragedia de Hooft, se encuentra en el Muidensloot Rijksmuseum, Muiden. Un casco emplumado similar se representa en un retrato póstumo de 1670 del almirante Stehlingwerf por Lodewijk van der Helst en el Rijksmuseum de Ámsterdam; este retrato de E. de Jong atrae como punto de referencia para datar el cuadro de la galería de York. Los compiladores del catálogo de la exposición de Frankfurt también fechan el bodegón de Moscú alrededor de 1670, en lo que se puede estar de acuerdo con ellos.

Aproximadamente al mismo tiempo, cuando los monjes estrictos se saludaban recordando la muerte, y un poco antes: en los siglos XVI-XVII, el tipo alegórico de pinturas de vanitas se generalizó en los Países Bajos y Flandes. Esta palabra se traduce del latín como "vanidad; vacío, vacío, insignificancia; futilidad, inutilidad; engaño, jactancia, vanidad, frivolidad". En las pinturas de Vanitas, el cráneo humano sirvió como centro compositivo, estaban destinados a recordar la fugacidad de la vida, la futilidad de los placeres y la inevitabilidad de la muerte.

Rogier van der Weyden (1399/1400-1464). Tríptico de la familia Braque, hacia 1452. Tríptico cerrado. Louvre, París / Los paneles exteriores del Tríptico Braque de Rogier van der Weyden muestran el cráneo del patrón que se muestra en los paneles interiores. Los huesos descansan sobre un ladrillo, un símbolo de su antigua industria y logro

El nombre Vanitas proviene de la frase "Vanitas vanitatum et omnia vanitas" / "Vanitas de vanidades y toda vanidad" del Libro del Eclesiastés o del Predicador, que se atribuye al rey Salomón, en la Biblia se sitúa entre los Libros de Salomón . Por primera vez se encuentran las palabras "Vanitas vanitatum et omnia vanitas" en la traducción latina de la Biblia Vulgata.

3.

Andrea Previtali llamado Cordeliaghi (1470-1528) (italiano) (Pintor). Retrato de un hombre - Memento Mori. panel. 23,8x18 cm. Museo Poldi Pezzoli. inversión 1598 vers.

"Palabras de Eclesiastés, hijo de David, rey en Jerusalén.

¡Vanidad de vanidades, decía el Eclesiastés, vanidad de vanidades, todo es vanidad!
¿De qué sirve al hombre todo el trabajo con que se afana debajo del sol?
La generación pasa y la generación viene, pero la tierra permanece para siempre.

4.

Jan Gossaert (1478-1532). Trompe-l'oeil Calavera. Fecha 1517, madera. 43x27 cm. Museo del Louvre. via

Sale el sol, y se pone el sol, y se apresura a su lugar de donde sale.
El viento va al sur, y va al norte, girando, girando en su curso, y el viento vuelve a sus círculos.

5.

Bartholomeus Brain el Viejo (circa 1493-1555). Vanitas, primera mitad del siglo XVI. / Barthel Bruyn el Viejo (hacia 1493-1555). Vanitas, óleo sobre tabla. Dimensiones 61 × 51 cm. Ubicación actual Museo Kroller-Müller. Inscripciones: La tarjeta de posición junto al cráneo dice en latín: Omnia morte cadunt, mors ultima linia rerum. En traducción al inglés: Todo pasa con la muerte, la muerte es el límite último de todas las cosas a través de

Todos los ríos desembocan en el mar, pero el mar no se desborda: al lugar donde los ríos desembocan, vuelven a fluir de nuevo.
Todas las cosas están en labor: una persona no puede volver a contar todo; El ojo no se sacia de ver, el oído no se llena de oír.

6.

Solesmes, Bibliothèque de l'abbaye Saint-Pierre, 018, f. 145. Horas de Ottobeuren, siglo XVI

Lo que fue, es lo que será; y lo que se ha hecho, eso se hará, y no hay nada nuevo bajo el sol.

7.


Livre d "heures, en latin et en français, à l" uso de Cambray. Idear. Vous seúl. Fecha: 1401-1500. Bibliothèque de l'Arsenal, reserva Ms-1185. Procedencia: bnf.fr.

Hay algo de lo que dicen: “mira, esto es nuevo”; pero [esto] ya estaba en las edades que fueron antes de nosotros.
No hay recuerdo del primero; y de lo que será, no habrá memoria para los que vendrán después.

8.

Douai, Bibliothèque municipale, 0118, detalle de f. 281 (ilustración marginal del Oficio de Muertos). Principios del siglo XVI. a través de

Yo, el Eclesiastés, era rey sobre Israel en Jerusalén;
y di mi corazón para escudriñar y probar con sabiduría todo lo que se hace debajo del cielo: esta ardua obra la dio Dios a los hijos de los hombres para que la ejercitaran en ella.
Vi todas las obras que se hacen debajo del sol, y he aquí, todo es vanidad y aflicción de espíritu.
Lo torcido no puede volverse recto, y lo que no lo es, no se puede contar.

9.

San Marino, Huntington Library, HM 01132, detalle de f. 106. Libro de Horas, uso de Roma. Italia, finales del siglo XV

Así hablé a mi corazón: He aquí, he sido exaltado y adquirido más sabiduría que todos los que fueron antes de mí sobre Jerusalén, y mi corazón ha visto mucha sabiduría y conocimiento.
Y di mi corazón a conocer la sabiduría ya conocer la necedad y la estupidez: aprendí que esto también es aflicción del espíritu;

10.


S t. Gallen, Stiftsbibliothek, Cod. Cantó. 357, detalle de f. 343. Misal. S t. Gallo, 1555

porque en mucha sabiduría hay mucha tristeza; y quien aumenta el conocimiento, aumenta el dolor".

11.

Vincent van Gogh (1853-1890). Calavera, 1887 / Van Gogh, Calavera, 1887. Óleo sobre lienzo, 41,5 x 31,5 cm. Museo Van Gogh, Ámsterdam.

Vanitas (lat. vanitas, literalmente - "vanidad, vanidad") es un género de pintura de la época barroca, una naturaleza muerta alegórica, cuyo centro compositivo es tradicionalmente un cráneo humano. Tales pinturas, una etapa temprana en el desarrollo de la naturaleza muerta, pretendían recordar la fugacidad de la vida, la futilidad del placer y la inevitabilidad de la muerte. Estuvo más extendido en Flandes y los Países Bajos en los siglos XVI y XVII, con ejemplos individuales del género encontrados en Francia y España.

Pieter Claesz. (1596-1661). Bodegón Vanitas (vanidad de vanidades) con instrumentos musicales (1628) (Ámsterdam, Museo Estatal)

El término proviene del versículo bíblico (Ecl. 1:2) Vanitas vanitatum et omnia vanitas (“¡Vanidad de vanidades, dijo el Eclesiastés, vanidad de vanidades, todo es vanidad!”).

Artista desconocido. Bodegón Vanitas (vanidad de vanidades) con libros (1633) (Ámsterdam, Museo Estatal)

Los símbolos que se encuentran en los lienzos tenían la intención de recordar la fragilidad de la vida humana y la fugacidad de los placeres y logros:

• El cráneo es un recordatorio de la inevitabilidad de la muerte. Así como un retrato es solo un reflejo de una persona que alguna vez vivió, el cráneo es solo una forma de una cabeza que alguna vez vivió. El espectador debe percibirlo como un "reflejo", simboliza más claramente la fragilidad de la vida humana.


• Las frutas podridas son un símbolo del envejecimiento. Los frutos maduros simbolizan la fertilidad, la abundancia, en sentido figurado, la riqueza y la prosperidad. Varias frutas tienen su propio significado: la caída está representada por peras, tomates, cítricos, uvas, melocotones y cerezas y, por supuesto, una manzana. Higos, ciruelas, cerezas, manzanas o melocotones tienen tintes eróticos.


• Flores (desvanecimiento); la rosa es la flor de Venus, símbolo del amor y del sexo, que se envanece, como todo lo inherente al hombre. La amapola es un sedante del que se obtiene el opio, símbolo del pecado capital de la pereza. El tulipán es un coleccionable en los Países Bajos del siglo XVII, símbolo de la irreflexión, la irresponsabilidad y el trato irrazonable del estado otorgado por Dios.


• Los brotes de cereales, las ramas de hiedra o laurel (raramente) son símbolo del renacimiento y del ciclo de la vida.


• Conchas marinas, a veces caracoles vivos: la concha de un molusco son los restos de un animal que alguna vez estuvo vivo, significa muerte y fragilidad. El caracol rastrero es la personificación del pecado capital de la pereza. Los crustáceos grandes denotan la dualidad de la naturaleza, símbolo de la lujuria, otro de los pecados capitales.


• Burbujas de jabón: brevedad de la vida y repentino de la muerte; una referencia a la expresión homo bulla - "el hombre es una pompa de jabón".


• Vela humeante de extinción (extremo de ceniza) o lámpara de aceite; una tapa para apagar velas: una vela encendida es un símbolo del alma humana, su extinción simboliza la partida.


• Copas, naipes o dados, ajedrez (rara vez): un signo de un objetivo de vida erróneo, una búsqueda de placer y una vida pecaminosa. La igualdad de oportunidades en el juego también significaba un anonimato reprobable.


• Una pipa para fumar es un símbolo de los placeres terrenales fugaces y esquivos.


• La máscara de carnaval es un signo de la ausencia de una persona en su interior. También destinado a una mascarada festiva, placer irresponsable.


• Espejos, bolas de vidrio (espejo): un espejo es un símbolo de vanidad, además, también es un signo de reflejo, sombra y no un fenómeno real.


• Platos rotos, generalmente copas de vidrio. Un vaso vacío, en oposición a uno lleno, simboliza la muerte. El vidrio simboliza la fragilidad, la porcelana blanca como la nieve, la pureza. El mortero y la maja son símbolos de la sexualidad masculina y femenina. La botella es un símbolo del pecado de la embriaguez.


• Cuchillo: recuerda la vulnerabilidad de una persona y su mortalidad. Además, es un símbolo fálico y una imagen oculta de la sexualidad masculina.


• Reloj de arena y reloj mecánico: la fugacidad del tiempo.


• Instrumentos musicales, notas: la brevedad y la naturaleza efímera de la vida, un símbolo de las artes.


• Libros y mapas (mappa mundi), la pluma es un símbolo de las ciencias.


• Globo, tanto la tierra como el cielo estrellado.


• Una paleta con pinceles, una corona de laurel (generalmente en la cabeza de una calavera) son símbolos de pintura y poesía.


• Retratos de mujeres hermosas, dibujos anatómicos. Las letras simbolizan las relaciones humanas.


• Sellos de cera roja.


• Los instrumentos médicos son un recordatorio de las enfermedades y la fragilidad del cuerpo humano.


• Monederos, joyeros: las joyas y los cosméticos están diseñados para crear belleza, atractivo femenino, al mismo tiempo que se asocian con la vanidad, el narcisismo y el pecado mortal de la arrogancia. También señalan la ausencia de sus dueños en la lona.


• Las armas y armaduras son un símbolo de poder y fuerza, una designación de lo que no se puede llevar contigo a la tumba.


• Coronas y tiaras papales, cetros y orbes, coronas de hojas son signos de dominación terrenal transitoria, que se opone al orden mundial celestial. Como máscaras, simbolizan la ausencia de quienes las portaban.


• Llaves: simbolizan el poder de un ama de casa que administra acciones.


• Ruinas: simbolizan la vida transitoria de quienes una vez las habitaron.


• Una hoja de papel con un dicho moralizante (pesimista), por ejemplo:

Jacob de Hein I. Naturaleza muerta con calavera (1603) (82,6 x 54) (Nueva York, Metropolitan)

Muy raramente, las naturalezas muertas de este género incluyen figuras humanas, a veces un esqueleto, la personificación de la muerte. Los objetos a menudo se representan en desorden, simbolizando el derrocamiento de los logros que representan.

Aelbert Jansz. van der Schoor. Naturaleza muerta Vanitas (vanidad de vanidades) (1640-1672) (Ámsterdam, Museo Estatal)

Los bodegones de vanitas en su forma inicial eran imágenes frontales de calaveras (generalmente en nichos con una vela) u otros símbolos de muerte y fragilidad, que se escribieron en los reversos de los retratos durante el Renacimiento. Estas vanitas, así como las flores que también se pintaron en el reverso, son los primeros ejemplos del género de naturaleza muerta en el arte moderno europeo (por ejemplo, la primera naturaleza muerta holandesa es precisamente “Vanitas” de Jacob de Gheyn).

Edwaert Collier (c.1640 - después de 1707). Naturaleza muerta Vanitas (vanidad de vanidades) (1662) (Ámsterdam, Museo Estatal)

Estos cráneos en el reverso de los retratos simbolizaban la mortalidad de la naturaleza humana (mors absconditus) y se contrastaban con el estado de vida del modelo en el reverso del cuadro. Las primeras vanitas suelen ser las más modestas y sombrías, a menudo casi monocromáticas. Los bodegones vanitas surgen como género independiente hacia 1550.

B. Schaak. Naturaleza muerta Vanitas (vanidad de vanidades) (1675-1700) (Ámsterdam, Museo Estatal)

Los artistas del siglo XVII dejaron de representar el cráneo estrictamente frontal en la composición y, por lo general, lo "dejaron" a un lado. A medida que avanzaba la era barroca, estas naturalezas muertas se volvieron más opulentas y exuberantes.

Franciscus Gysbrechts (antes de 1630 - después de 1676)). Bodegón Vanitas (vanidad de vanidades) (115 x 134) (Amberes, Museo Real de Bellas Artes)

Ganaron popularidad en la década de 1620. El desarrollo del género hasta el declive de su popularidad alrededor de la década de 1650. centrado en Leiden, la ciudad holandesa que Bergstrom, en su estudio de la naturaleza muerta holandesa, declaró "el centro de la creación de vanitas en el siglo XVII". Leiden fue un centro importante del calvinismo, un movimiento que denunciaba la depravación moral de la humanidad y luchaba por un código moral sólido. Bergstrom creía que para los artistas calvinistas, estas naturalezas muertas eran una advertencia contra la vanidad y la fragilidad y eran una ilustración de la moralidad calvinista de la época. Además, la composición del género probablemente estuvo influenciada por puntos de vista humanistas y el legado del género memento mori.

Harmen Steenwyck. Vanitas Still Life (Vanidad de vanidades) (1640)

Jacques de Claeuw. Naturaleza muerta Vanitas (vanidad de vanidades) (1650) (Ámsterdam, Museo Estatal)

Jan Jansz. Treck (c.1606 - 1652). Vanitas Still Life (Vanidad de vanidades) (1648) (Londres, National Gallery)

Jan Pauwel Gillemans el Viejo (1618-1675). Bodegón Vanitas (vanidad de vanidades) (1654) (96 x 140) (San Petersburgo, Hermitage)

Jan van Kessel (1626-1679). Naturaleza muerta Vanitas (vanidad de vanidades) (1665-1670) (20,3 x 15,2) (Washington, National Gallery)

Joris van Son (1622-1667). Alegoría de la vida humana (1658-1660) (124,7 x 92,7) (Baltimore, Museo Walters)

N. L. Peschier. Vanitas Still Life (Vanidad de vanidades) (1659-166) (Museo de Arte de Filadelfia)

N. L. Peschier. Naturaleza muerta Vanitas (vanidad de vanidades) (1660) (Ámsterdam, Museo Estatal)

Peter Sion el Viejo. Vanitas bodegón (vanity of vanities) (colección particular)

Pieter Claesz. (1596-1661). Naturaleza muerta Vanitas (vanidad de vanidades) (1628) (24,1 x 35,9) (Nueva York, Metropolitan)

Pieter Claesz. (1596-1661). Naturaleza muerta Vanitas (vanidad de vanidades) (1630) (39,5 x 56) (La Haya, Galería Real Mauritshuis)

Pieter Claesz. (1596-1661). Naturaleza muerta Vanitas (vanidad de vanidades) (c.1628) (36 x 59) (Nuremberg, Museo Nacional de Alemania)

Franciscus Gysbrechts (antes de 1630 - después de 1676)). Bodegón Vanitas (vanidad de vanidades) (85,7 x 59)

Pieter Claesz. Bodegón Vanitas (vanidad de vanidades) (1636) (47 x 61) (Munster, Museo Estatal de Historia de la Cultura y el Arte de Westfalia)

Pieter Symonsz. Alfarero. Bodegón Vanitas (1646) (Ámsterdam, Museo Estatal)

Stevers. Naturaleza muerta Vanitas (vanidad de vanidades) (1630-1660) (Ámsterdam, Museo Estatal)

Bartholomeus Brain el Viejo, 1er piso. siglo 16

Philippe de Champagne, segundo piso siglo 17

Pedro Boel, 1663

Simón Renard de Saint-André, c. 1650

Jurian van Streck, c. 1670

Y algunos de sus grabados. En primer lugar, los visitantes deben mostrar retratos de un anciano y una anciana. Las imágenes de los ancianos son muy penetrantes, no transmiten tanta belleza externa, que hace mucho tiempo que pasó. Su atractivo externo es cosa del pasado. El maestro con un talento asombroso muestra cuán rica es la vida interior de sus héroes, su mundo interior.

Rembrandt "Retrato de una anciana" Rembrandt "Retrato de un anciano"

Una de las obras maestras brillantes del museo es la pintura.

La trama cuenta la historia de una niña judía llamada Esther. Se convierte en la esposa del déspota oriental, el rey Artajerjes, quien desconoce su origen. Cuando el primer ministro de Artakerks, Haman, prepara una orden secreta para exterminar a todos los judíos, Esther, que se entera de su cruel plan, jura a su marido que luchará contra todos sus enemigos y los enemigos de su pueblo. Al enterarse del complot secreto de Amán, Artajerjes ordena su ejecución. El rey sigue el juramento que se le ha hecho y se pone del lado de su esposa. El lienzo representa cierta fiesta, en la que se revelan todos los detalles del plan secreto de Amán. En el centro se sienta Artajerjes, junto a él está Ester. En el lado opuesto está Amán. Con la ayuda de la luz y la composición, Rembrandt muestra quién será el vencedor de este enfrentamiento. La figura de Ester está muy iluminada, no solo brilla, sino que todo brilla, brilla. La figura de Amán está en la sombra y de inmediato queda claro que Ester será la ganadora de la disputa.

Los detalles sobre las pinturas de Rembrandt se describen en una serie de publicaciones:

Sala 11. Arte holandés del siglo XVII

Consejo metódico: después donde se exhibe, muestre inmediatamente la sala número 11. La sala Rembrandt es un puesto de control, para continuar el recorrido, tendrá que pasar dos veces por esta sala. En el caso de que las obras de Rembrandt se muestren en la salida, el contraste será más brillante y la impresión será más fuerte. Resulta que muestras enormes cuadros de artistas flamencos y luego vas a la sala número 11 con cuadros pequeños y oscuros de maestros holandeses en marcos modestos. Por ello, es recomendable ir directamente al salón, y mostrar a la vuelta.

Todo el arte holandés de esa época está conectado con la conciencia protestante del siglo XVII. Los artistas representaron a la gente del pueblo, burgueses, incluso artesanos, comerciantes, que tienen viviendas modestas pero cómodas y que decoran sus hogares con las mismas pinturas pequeñas y modestas. En Holanda, en este momento, los lienzos no fueron creados por orden de la iglesia o la aristocracia, como en Flandes. Este es un orden social completamente diferente. Y las imágenes son completamente diferentes. De lunes a viernes, tales pinturas estaban cubiertas con cortinas para que las moscas no se sentaran en ellas, el polvo no se asentara. Cuando llegó un día festivo, vinieron invitados o simplemente querían mirar la imagen, las cortinas se abrieron y luego, por supuesto, se cerraron nuevamente. Por lo tanto, los artistas pintaron cuadros muy pequeños y acogedores. No es casualidad que los pintores que crearon tales imágenes se llamen.

Existen diferentes versiones sobre el origen de este término en el arte, y todas ellas son en parte ciertas. Por un lado, estos artistas son menos conocidos que Frans Hals y Rembrandt, los grandes holandeses, es decir, todos los demás son pequeños en comparación con ellos. Por otro lado, estas obras de cámara destacan por su pequeño formato, trama modesta, imágenes cotidianas, siempre tomadas de la vida. Es decir, pequeño, no grande, pequeño, debido al pequeño tamaño de los lienzos, pequeño, porque la trama de las pinturas no era una cámara heroica, sino cotidiana.

Bodegones. Arte holandés del siglo XVII

Las pinturas de bodegones eran muy populares. Las pinturas de los maestros holandeses son increíblemente vívidas. La pintura holandesa del siglo XVII es ya el comienzo del realismo en la pintura. Los bodegones son sorprendentemente reales, pero son mucho más modestos, más naturales que los de los flamencos. Los "pequeños holandeses" no escriben una gran cantidad de mariscos o frutas de la tierra, sino los llamados "desayunos", que representan algunas cosas modestas, como incluso olvidadas. No es casualidad que en sus pinturas haya una sensación asombrosa de la vida tranquila de los objetos. En holandés, es "lluvia de acero", naturaleza muerta es el nombre francés. En los idiomas del norte de Europa, este nombre no se traduce como naturaleza muerta, sino como vida tranquila.

Peter Claesz "Desayuno" Gerrit Willems Heda "Jamón y cubiertos"

Paisajes. Arte holandés del siglo XVII

En la fila inferior vemos paisajes, y nuevamente no son enormes y monumentales, sino pequeños, que representan los verdaderos patios traseros de algún pueblo holandés. La colección presenta la obra de Jan Josefs van Goyen "Vista del río Waal cerca de Nijmegen".

Jan Josephs van Goyen “Vista del río Waal cerca de Nijmegen”

La Fortaleza de Nijmegen desempeñó un papel muy importante en la lucha de liberación nacional. Pero no vemos una ciudad heroica, sino una pequeña fortaleza en la orilla del río. Aquí los protagonistas son las vacas que acudían a la orilla del río a beber agua y los pescadores tirando de las redes.

Nos llama la atención un barril que flota río abajo. Este es un mundo tranquilo, pacífico y acogedor, el mundo familiar, el mundo que los maestros veían todos los días, el mundo de la rutina diaria. Pero la genialidad de los pintores holandeses del siglo XVII radica en que lograron ver la belleza detrás de esta rutina. Para ello no hace falta ir al fin del mundo a buscar montañas y puestas de sol espectaculares, sino mirar por la ventana y decir: “¡Ay, qué bonito!”. y transmitirlo en su lienzo.

El holandés también se convirtió en uno de los fundadores del género doméstico. De hecho, la división definitiva de la pintura en géneros tuvo lugar en Holanda en el siglo XVII, donde el género cotidiano era muy popular.
Tenemos bastantes pinturas de género cotidianas, debes prestar atención a tres cosas.

género doméstico. Arte holandés del siglo XVII

Una de las pinturas es “Boda campesina” de Jan Steen. La trama de esta imagen es muy interesante.

Jan Haviks Steen “Boda Campesina”

Se puede ver que todos los invitados de los novios se están riendo de una manera muy extraña, y el niño con una sonrisa maliciosa señala el estómago de la novia. Un novio respetable de mediana edad recibió una novia joven pero embarazada. Todavía no lo sabe, y aquí está, riendo lascivamente, siendo llamado al dormitorio matrimonial. Este es el lado derecho de la composición. En el lado izquierdo, una niña habla con un sacerdote, una madre alimenta a un niño, una niña juega con un perro. El perro es un símbolo de fidelidad. Por un lado, muestra cómo no hacerlo, y por otro lado, cómo debe hacerse, la imagen muestra claramente un ejemplo de mal y buen comportamiento.

género doméstico. Enseñanzas morales.

La pintura holandesa del siglo XVII fue increíblemente didáctica. Y lo que a veces nos parece una escena casi depravada es en realidad un ejemplo de cómo no comportarse o, por el contrario, una indicación de cómo hacerlo. Por ejemplo, la pintura de Terborch representa una copa de vino. Vemos a una chica a la que un joven trata con vino y ella ya está lista para beber este vino. De hecho, el vino es símbolo de promiscuidad, y en este caso es símbolo de amor libre. Si un hombre le ofrece a una chica una copa de vino y ella acepta esta copa de vino, entonces, obviamente, aceptará todas sus otras ofertas.
Gerard Gerards Terborch “Escena en una taberna”

Una escena más tenue es la escena del loro. De hecho, el loro es un símbolo de ociosidad y estupidez. Aquí la niña, en lugar de hacer costura, está pensando en otra ocupación no tan casta. Vemos que cerró su caja de labores, y dejó salir al loro de la jaula, es decir, dejó salir de la jaula su ociosidad y estupidez.
Gabriel Metsu "Chica en el trabajo"

Viejo enfermo. Arte holandés del siglo XVII

Y finalmente, la escena en la esquina, la imagen: "Viejo enfermo". En la época soviética, aquí se derramaban lágrimas de luto por la triste vejez de este anciano, a quien una joven hija le arroja huesos secos en lugar de comida.

De hecho, aquí hay una historia completamente diferente. Tiene lugar en un burdel donde llegó este anciano. El casamentero, escrito en el centro, le ofrece una joven. La niña le responde: "Por favor, todo sea por tu dinero". El anciano tiene un bolso con dinero en la mano. Sin embargo, los huesos secos parecen decir que el viejo voluptuoso ya es él mismo, como un hueso seco, y su idea no vale un carajo. Esto se enfatiza por las conchas vacías y carcomidas esparcidas por el suelo.

Y en el fondo del lienzo se representa exactamente la imagen opuesta. Allí se ven hombres y mujeres jóvenes, que tienen huevos enteros en un plato de malla. Aquí estamos hablando del hecho de que el comercio está en pleno apogeo y todo será exitoso.

También es importante que se apaguen todas las velas y lámparas, y que cuelgue un cuadro en la pared. Si se representa otra imagen en un lienzo holandés, entonces sirve como una especie de clave para interpretar la trama. La pintura en la pared representa la historia del Antiguo Testamento "Susana y los ancianos".
Jan Haviks Steen "Viejo enfermo"

La historia cuenta cómo los ancianos acosaban a Susanna, y cuando la niña los rechazó, intentaron calumniarla, diciendo que ella los seducía. En el estado judío religioso, se suponía que Susanna sería apedreada por esto. Pero el sabio juez adivinó interrogar a los ancianos por separado y resultó que su testimonio no coincidía en detalle. Entonces se dio cuenta de que los ancianos estaban engañando a la corte y fueron castigados. En este caso, se trata de un indicio directo de que este anciano también será castigado por su comportamiento indigno y, al parecer, pronto, porque las lámparas apagadas en la pintura holandesa significan la muerte.